Designerin und Stylistin June Ambrose über 50 Jahre Hip

June Ambrose trägt viele Aufgaben – im wahrsten Sinne des Wortes und im übertragenen Sinne. Die Kostümdesignerin und Kreativdirektorin wurde im Laufe der Jahre mit allen möglichen maßgeschneiderten Hüten fotografiert, und sie erzählte dem Cut im Jahr 2016 sogar, dass sie fast 100 davon besitze. Sie postet oft Instagram-Fotos, auf denen sie ihre Kollektion präsentiert, die aus Cartoon-ähnlichen Ballkappen, Zylinderhüten, Bowlern mit breiter Krempe, Chapeaus und Deckeln mit Hasenohren der in New York ansässigen Designerin Khia Tullae besteht. Es ist ihr charakteristischer Look. Und abgesehen davon, dass er so auf der Nase ist, trägt Ambrose auch viele berufliche Aufgaben, mit einer langen Liste an Auszeichnungen, die vom Stylisten und Designer für hochkarätige Kunden wie Sean „Diddy“ Combs, Jay-Z und Missy Elliott bis hin zum veröffentlichten Autor reicht , Unternehmerin, Fernsehpersönlichkeit und zuletzt Kreativdirektorin von Puma – ihr persönlicher Stil zeugt von ihrer grenzenlosen Kreativität und ihrem furchtlosen Umgang mit Mode.

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Mitte der 90er Jahre machte sich Ambrose in der Hip-Hop-Welt einen Namen, indem sie als Image-Architektin für Künstler wie Jay-Z und Elliott arbeitete. Sie entwarf und gestaltete nicht nur ihr Aussehen, sondern half auch dabei, ihre öffentliche Persönlichkeit zu formen. Als Frau hinter einigen der einflussreichsten und unerwartetsten Stilmomente des Genres können ihre Beiträge zur Hip-Hop-Kultur und Mode im Allgemeinen nicht durch einen einzigen Titel definiert werden – sie sagte gegenüber dem Cut, dass sie sich nie nur auf einen einzigen Titel „einschränken“ möchte Ding (z. B. Promi-Stylist). Stattdessen beruht Ambroses Einfluss auf der Tatsache, dass sie der Zeit immer ein paar Schritte voraus war. Als Modehäuser ihren Kunden kein Geld gewährten, verfeinerte sie ihre Fähigkeiten als Kostümdesignerin und entwarf die Looks selbst. Als die Mehrheit der weiblichen Chartstürmer ein offenkundig sexuelles Image hatte, kleidete sie Elliott für das Musikvideo „The Rain“ in ein völlig formloses, vom Michelin-Männchen inspiriertes Outfit. Und als Hip-Hop um den Verlust des Notorious BIG trauerte, beschloss Ambrose, sein Vermächtnis zu feiern, indem er den engen Freund und Mitarbeiter des verstorbenen Rapper, Combs, für die „Mo Money Mo Problems“ in einen glänzenden roten Anzug (anstelle von etwas Dunklem und Düsterem) stylte " Musik-Video. Sie ließ uns jahrzehntelang rätseln und hatte nie Angst, den Status quo in Frage zu stellen.

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Hier erzählt Ambrose die Geschichten hinter einigen ihrer kultigsten Modemomente und denkt darüber nach, wie ihre überlebensgroßen Ideen dazu beigetragen haben, die Hip-Hop-Kultur zu prägen.

Ich weiß, dass du ein New Yorker Mädchen bist. Wie hat das Aufwachsen in diesem wunderbaren Schmelztiegel von Kulturen und Ideen Sie zu dem gemacht, was Sie sind?

Ich habe so viel entdeckt. Der Hintergrund dort, wo ich in der South Bronx aufgewachsen bin, ist eine Umgebung mit so viel Struktur und so viel Charakter. Es gibt so viele Geschichten und erzählerische Momente. Es wurde zum Soundtrack meines Lebens, weißt du? Mir wurde die Möglichkeit geboten, mich darauf zu konzentrieren, jung und kreativ zu sein. Meine Aufgabe war es, eine Ausbildung zu machen, in Sicherheit zu bleiben und herauszukommen. Und ich tat. Ein junges Mädchen, das in der South Bronx aufwächst, Mode in einer Großstadt entdeckt und ihren Weg nach Midtown Manhattan findet? Es ist eine großartige Coming-of-Age-Geschichte.

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Ich war meine eigene Muse, die Figur, die ich werden wollte. Ich denke, es hat etwas damit zu tun, dass ein junges Mädchen sich in all diesen wirklich schönen, exzentrischen und teuren Erfahrungen im Leben wiederfinden kann. Ich konnte es anfassen, als meine Mutter uns zu Führungen durch Aufnahmestudios in die Stadt mitnahm. Es war die Erfahrung, das Leben außerhalb meiner eigenen Grenzen zu sehen. Unabhängig davon, ob Sie in der Stadt oder in einem Vorort aufgewachsen sind, ist es wirklich wichtig, die Nachbarschaft und die Umgebung zu verlassen und die Welt zu sehen. Ich denke, das ist der Grund, warum ich die Dinge so anders gesehen habe – ich habe nicht durch eine bestimmte Linse geschaut.

Du bist auch ein ehemaliges Theaterkind. Wie hat dieses Umfeld Sie kreativ beeinflusst?

Das Theater ist der Grund, warum ich mich mit Kostümdesign beschäftigt habe. Als ich eine Rolle als Schauspieler bekam, wollte ich die Figur verstehen und wissen, wie ich sie weiterentwickeln kann. Ich war schon immer sehr fasziniert von Filmen, Filmreferenzen, alten Filmen und den Kostümen selbst. Weil ich so unendlich neugierig auf jeden Aspekt hinter und vor den Kulissen war, hat es mir geholfen, mein Handwerk wirklich zu verfeinern und auch herauszufinden, was das ist. Man muss Talent haben, um Kostüme und Design zu kreieren – ich entdeckte, dass ich dieses Talent hatte, und es entwickelte sich zu einer Superkraft. Ich habe die Schauspielerei zurückgestellt, weil mir klar wurde, dass es ein wunderschönes Kunsterlebnis ist, Kostüme für Charaktere zu entwerfen und auf diese Weise Teil des Geschichtenerzählens zu sein.

Erinnern Sie mich an Ihre ersten Erfahrungen als Stylistin. Was war Ihr Ansatz?

Mein erster Job als Stylistin war interessant, weil mir klar wurde, dass das bloße Zusammenstellen von Kleidung mit anderen Menschen nicht ausreichte, um die Geschichte zu erzählen oder den Charakter aufzubauen. Ich wusste also, dass ich mich wirklich mit dem Kostümdesign und dem Bauen und Kreieren von Dingen auseinandersetzen musste. Aber zweitens vergaben Modehäuser nicht unbedingt Kredite an Unbekannte. Sie vergaben nicht einmal Kredite an Musiker im Allgemeinen. Den Designhäusern war es damals egal, wie man eine Beziehung zur Musikindustrie pflegte, und unser Budget konnte es mir nicht leisten, in ein Geschäft zu gehen und Kleidung zu kaufen. Einige der Ideen, die ich hatte, lagen außerhalb von allem, was ich in die Finger bekommen konnte. Ich wollte in der Lage sein, diese Erzählung zu kontrollieren. Ich habe als Kostümbildnerin angefangen, also bin ich so an die Sache herangegangen. Die Möglichkeit, die Looks anschließend zu vermarkten und zu stylen, war eine weitere Superkraft, die sehr hilfreich war. Bei einem Großteil der Arbeit, die ich geleistet habe, hat das Styling wirklich dazu beigetragen, den Look zu verkaufen. Es hat dazu beigetragen, es für den Verbraucher greifbar zu machen und einige der Exzentrizitäten dessen, was ich baute, zu kommerzialisieren.

Die Titel verfolgen mich, weil die bloße Gruppierung meiner Arbeit in „Sie ist Stylistin“ meinen Beitrag nicht wirklich definiert. Seit Beginn meiner Karriere beschäftige ich mich auch mit der kreativen Leitung. Ich befand mich an diesem Ort der Macht, an dem ich die Erzählung lenken, verändern und gestalten konnte. Als ich zu Beginn ihrer Karriere mit Missy Elliott zusammenarbeitete, arbeitete ich mit Hype Williams zusammen, um ihre visuelle Erzählung zu erstellen. Ich arbeite seit Beginn seiner Karriere mit Jay-Z zusammen. Bevor er Künstler wurde, hatte er ein Plattenlabel. Und er vertraute mir die kreative Leitung von Künstlern an, die er unter dem Label Roc-a-Fella herausbrachte.

Wann hatten Sie zum ersten Mal das Gefühl, das Image einer Person erfolgreich aufgebaut und weiterentwickelt zu haben?

Es ist interessant, weil es die Backstreet Boys waren. Ich habe mit vielen Boybands zusammengearbeitet. Speziell für die Backstreet Boys musste ich ihnen etwas urbanes Flair verleihen, damit sie wirklich kulturell relevant sind. Nicht im Sinne von Hip-Hop oder Black oder so etwas – denken Sie eher an die Stadt. Etwas grobkörniges und etwas raueres. Dieses Image hat wirklich dazu beigetragen, sie in einen multikulturellen und generationenübergreifenden Markt zu integrieren.

Sprechen wir über das Aussehen im Musikvideo „Mo Money Mo Problems“ von Biggie Smalls mit Diddy und Mase. Was machte diese leuchtend roten Anzüge so einflussreich?

Als Puffy diesen leuchtend glänzenden Anzug anzog, war das ein Kulturwandel, besonders wenn man darüber nachdenkt, was Hip-Hop ist und wer Biggie war. Für mich war das Konzept gar nicht so weit hergeholt. Biggie war extravagant. Als ich Puff diese Idee verkaufen wollte, dachte ich nur: „Biggie trug Seidenhemden.“ Warum ist es so beängstigend, sich vorzustellen, dass man etwas Glänzendes trägt?“ Manchmal argumentierte ich so, als wäre ich ein Anwalt, aber ich wusste, dass es das Richtige war. Ich hatte einfach das Gefühl, dass es viel interessanter war. Dieses Video war für Puff so beeindruckend, dass er einen Song darüber gemacht hat. Es ging richtig los und danach glänzte alles. [Combs veröffentlichte 2001 den Song „Shiny Suit Man“ – eine Anspielung auf die auffällige Mode, die Hip-Hop-Künstler nach dem Tod von Smalls und Tupac Shakurs nur sechs Monate zuvor angenommen hatten.]

Die Bilder waren so magisch und funkelnd und lustig und cartoonartig, aber das beeinträchtigte nicht die Glaubwürdigkeit der Künstler auf der Straße. Es führte sie aus ihren persönlichen Persönlichkeiten in ihre künstlerischen Persönlichkeiten. Wenn es sich bei dem, was wir machen, um Unterhaltung handelt, dann sieht Unterhaltung und Showbusiness so aus. Es ist lustig, es ist ehrgeizig, es ist provokativ. Es ist nicht staubig, schmutzig, deprimierend oder traurig. Ich war schon immer ein risikofreudiger Störer. Ich denke, es ist sehr wichtig, dass wir nicht so vorhersehbar sind … gegen diese Strömung ankämpfen und Dinge tun, die den Menschen Unbehagen bereiten.

Sie haben auch einen der großartigsten Musikvideo-Momente aller Zeiten geschaffen: Missy Elliotts aufblasbaren Anzug in „The Rain“. Was wissen wir über diesen Look nicht?

Ich denke, es gibt Momente, über die wir nicht viel reden. Es war eine Art Eigenverantwortung für Männlichkeit. Es war wirklich kraftvoll. Die Tatsache, dass Missy ein Wildfang war, als es bei Frauen im Hip-Hop damals nur um Übersexualisierung ging.

Alles war so absichtlich. So wie Missy, die den perfekten mintgrünen Leder-Trainingsanzug trägt und auf dem grünen Hügel sitzt, den wir auf einer grünen Leinwand gedreht haben. Es waren auch die einfachen Dinge. Ich liebte die Timberlands. Frauen trugen damals keine Baustiefel. Ich kicherte, als mir die Idee kam, die Tänzer in Herren-Slips und Tanktops zu stecken. Für mich ging es darum, dass wir es besaßen und die Kontrolle über die Erzählung übernahmen.

Ja, ich liebe es, wie sie maskuline Silhouetten trug und gleichzeitig den ganzen Glanz und Glamour ausstrahlte.

Auch alles feminin. Ihre Tanzbewegungen und Texte waren sehr provokant. Sie waren frech.

Das Styling des aufblasbaren Anzugs mit einer glitzerverzierten Sonnenbrille ist ein perfektes Beispiel für diese maskulin-feminine Gegenüberstellung. Wer hat sie gemacht?

Das waren Archivar Alain Mikli. „The Rain“-Regisseur Hype Williams hat Alain Mikli tatsächlich dazu gebracht, sie aus seinem Archiv herauszulassen. Sie wurden nie außerhalb der Redaktion getragen. Sie waren äußerst zerbrechlich. Sie kamen von Christie's … es war eine große Sache. Sie haben den Look wirklich gemacht.

Einer Ihrer produktivsten Beiträge zum Hip-Hop ist die Förderung einer Zusammenarbeit zwischen Missy Elliott und Adidas im Jahr 2004. Wie kam es dazu?

Ich hatte in diesen Musikvideos so oft die kreative Lizenz über diese IP übernommen, sei es beim Remixen oder beim Nachmachen. Also sagte ich zu Adidas: „Hört zu, Leute, wir sollten zusammenarbeiten.“ Wir sind schon da. Sie ist deine Muse.“ Und daraus entstand die Zusammenarbeit mit Respect ME. [Ambrose leitete auch die kreative Leitung der Partnerschaft, die eine der ersten ihrer Art zwischen einer Marke und einem Hip-Hop-Künstler war.]

Welche Bedeutung hatte diese Partnerschaft? Welchen Einfluss hat es auf den Hip-Hop und die Modebranche insgesamt?

Es war wirklich eine Bestätigung dafür, dass wir die Nadel bewegt haben. Wir haben nicht nur die Nadel bewegt, sondern wir hatten auch die Kontrolle über Konsumgüter und konnten sie produzieren. Die Leute begannen, Plattenverträge ganzheitlich zu betrachten, aus einer 360-Grad-Perspektive. Es geht nicht nur ums Touren und die Musik, denn das eine zieht das andere und das andere an. Es ist eine Art Dominoeffekt. Wenn ein Künstler mit einer Modemarke zusammenarbeitet, kann er auch mit einer Schönheitsmarke zusammenarbeiten, und alles fängt an, sich auf das Leben und den Stil auszuwirken. Es hat sie aus dieser einen Kiste mit dem Motto „Das sind Musikmenschen“ herausgeholt. Denn wenn die Musikleute Mini-Werbespots machen, mit den Verbrauchern sprechen und Konsumgüter transportieren, ist das viel größer. Ich wusste immer, dass es größer war als ich.

Stil ist eine Kultur, die wir schaffen, indem wir keine Angst haben zu sagen: „Das ist Swag, das ist eine Einstellung, das ist eine Stimme.“ Streetwear ist eine Sprache. Es ist eine Kultur. Und diese Modemarken haben erkannt, dass es sich nicht nur um etwas Greifbares handelt, weshalb sie jetzt mit den Schiedsrichtern zusammenarbeiten. Ich denke, wir werden weiterhin mehr dieser Partnerschaften sehen, aber auch mehr Markenaufbau durch die Schiedsrichter selbst. Es wird nicht ausreichen, nur diese Geschäfte abzuschließen. Man sieht Künstler, die ihre eigenen Modehäuser haben wollen. Kreativdirektoren und Designer wie ich wollen mehr. Es reicht nicht aus, dass du mich nur zu deiner Show einlädst. Ich möchte einen Platz am Tisch.

Was soll Ihr Vermächtnis sein?

Ich hoffe, dass die nächste Generation von meinem Vermächtnis Inspiration finden kann. Meine Kinder sind 19 und werden bald 22, und einer der stolzesten Momente, die ich im Rückblick auf mein Werk hatte, ist, dass meine Kinder es gefunden haben es ist sehr relevant. Sie betrachteten es wie Kunst. Ich habe ein Bild von meinem Sohn, wie er vor einem Missy Elliott-Aufblasanzug steht, als sie für einen MTV Award geehrt wurde. Das Bild von ihm, wie er vor etwas steht, das ich vor etwa 20 Jahren geschaffen habe, berührt mich so sehr. Ich bekomme jedes Mal eine Gänsehaut. Ich schließe nachts die Augen und weiß, dass ich etwas mit großer Absicht getan habe und es sich ausgezahlt hat.

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